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何来此器妙如神

2018-8-20 14:23:03 来源:山东商报

陈全胜 祖籍山东文登,中国著名画家。1950年生于青岛,长于济南。1986年当选第三界中国美术家协会理事。自1988年连续三届当选山东美术家协会副主席,1994年起享受国务院颁发的政府特殊津贴,连续两届被评为山东省技术拔尖人才;2002年获德艺双馨艺术家称号。

杨枫 1960年生于山东省胶南市,1987年毕业于山东艺术学院美术系中国画专业。现任山东省文联副主席、山东省美术家协会副主席、山东省文艺创作研究院院长、山东艺术家学术委员会副主任兼秘书长,国家一级美术师,中国美术家协会会员。

 

        他们把毛笔换成了刻刀,宣纸换成了紫砂器,呈现的依旧是中国传统文化的精气神。

 

  一件紫砂器物,精彩之处除了泥色、造型、制作以外,更重要的应当还是文学、书法、绘画、篆刻、金石等诸多方面。近日,著名艺术家陈全胜、杨枫兴致所致创作了数十件紫砂大器,深厚的传统文化功底,捉刀游走于不同的器型之上,心无凝滞,信手拈来,浑然天成。紫砂器自古流传至今已纯熟流美,古人创制的经典俯拾皆是,刻制与器型之间相得益彰,相辅相成,艺术家的刻制赋予了紫砂器新的艺术生命,而紫砂器也因名家的刻制,成为经典传承。 记者/傅晓燕
  

 

  生活情趣需多样化

 

  陈全胜:通过这种在紫砂器上刻制的体验,让我们更加深刻了对传统文化的认知。功夫在画外,其实行刀和运笔是一个道理,但刀味和笔味不同。刀在紫砂上游走的生涩感觉和金石的味道与毛笔挥写在宣纸上那种畅快的感觉不同。这是传统文化中白描功夫的一种体现,以刀法体现笔法与线法,起笔落笔、弯转曲折、抑扬顿挫同样要交代清楚,来不得半点含糊,关键还是对构图的把握,特别在虚实方面更能契合器皿的特性。紫砂器的刻制,也是传统文化形式中的一种,通过这种新的创作体验,可以增加创作生活的丰富性,在绘画当中也需要这种金石味的感觉。

 

  杨枫:自古流传下来的紫砂器的造型之美,线条之美已经简约凝练到极致。因此在紫砂器上的刻制,我们也是慎之又慎的,对绘画的能力是一种检验,它不但要注重形式、内容和手法上的技巧,最重要的还是体现创作者的文学素养和书画功底以及人格气质。表现刀法、笔法、技法、章法只是一种手段,一般的匠人就能够实现,然其高级所在是写神,写出生命生活的态度。一件作品看似寥寥数笔,其实最终要反映的是艺术家的生活态度,草木的性灵,生命的平等,一切万物都是有灵的,只要热爱生活,热爱大自然,万物都会与人产生共鸣。如同宋画的美,简单、含蓄、谦卑,在高雅的格调之下,人、自然、万物,共同谱写生命的价值。很多人学宋画,没有探其精髓,仅仅是停留在了物质的层面。

 

  陈全胜:紫砂器的刻制并非是绘画、金石在紫砂器上的简单搬移复制,既使再成功的临摹也会失去原有的味道,每一件都是因型所思,是独一无二的。紫砂器的刻制增强了动手实践力,同时又会有新的感悟,除了绘画艺术之外,更增加了很多生活的情趣在其中。历来可以被称作大艺术家的人往往也是大玩家,正是生活情趣的多样化,这也是艺术活力的一种体现,形成了艺术的多样化。比如苏东坡,他在逆境和顺境中总能找到乐趣,纵情山水遗绝响,饕餮美食传佳话,琴棋书画养性情,生活情趣和艺术才情相吻合,巨匠风采。李苦禅先生最打动我的是这样一幅作品,一只公鸡趴在石头下,翻着头看石头底下有没有虫子,那种生动,灵性,让人记忆深刻,这就是生活的情趣。这也不是每个人都能观察到的,要时时有心方可。

 

  艺术探索需忠于感受

 

  杨枫:构图是创作的重要一步,不管是在紫砂器上还是在其他材质上。紫砂器上的构图我感觉要多借鉴中国传统适合纹样,包括传统的图案,在此基础上再增加自己的新的感受。比如齐白石的构图,他早年有木匠雕花工艺的基础,是在有限的空间和形内穿插变化,他的画又有文人的笔墨,加上自己息息相关的那些场景的描绘,与传统的文人画有了区分,这是他艺术的高度所在。

 

  文人画最重要的一点看似是牢骚,其实是真实生活和情感的写照。有的画面中旺盛的炭炉烤着香气的芋头,烛台旁有书籍,这讲述的是作者的一种追求和向往,或者说就是他的生活。后来大家全都这样画,时间久了形成一种套路,就落入俗流了,失去了原生气。当代性形式的探索也有必要,但是要忠于情感,忠于感受,不要习于套路和技术。

 

  陈全胜:明初是文人画发展的时期,文人画没有过分地去强调画面当中的功夫,文人的意志在于画外的功夫,寥寥数笔,直抒胸中逸气。画中有文人的气息,画外流露着文人的思想。陈寅恪在谈到文人画时讲,不在画里考究艺术上的功夫,必须在画外看出许多文人的感想和素养,文人作画时,知画之为物,是灵性的,思想的,非机械的,单纯的,这充分说明文人画具有文学性,哲学性,抒情性。这才是文人画的精髓。

 

  艺术创作需有诗情

 

  杨枫:当代艺术家特别注重创新这个词,在形式上摸索,只是技术层面的东西,不是主路子。你的生活中的感受和别人不同,把这种感受表达出来,自然就会有形式上的不同和感受上的新。在齐白石生活的那个年代,冬天里的生活吃的就是白菜萝卜,白石翁画出了人生的况味,因此这些作品感人至深。不仅如此,他的作品中还一种诗情,这也是他作品传世的精髓所在。传统的中国画,完全靠意象来组合,我们看一个画家是否有诗情,不在于会不会作题画诗,关键看其骨子里是不是先有了诗的思维和情感,只要具备了这种情感,即便不会写诗,这种诗情也会自然地流露在画面中。

 

  很多题画诗是画面的文眼。从实用的角度看,它是用来补充画面上意犹未尽之处,当然古人的很多题画诗自身就是经典,因为他们的修养太全面了,不仅是画家也是诗人。当我们今天有感而发的将自作诗题在画面上时,即便是白话散文诗,只要是能够在生活中留意感觉、又在感觉中梳理情思,从中找寻真我的意境,通俗易懂,又能提升整个画面的文化含量,也是一种乐事。记得很多年前画葫芦,写过一首题画诗,“有倚凌空敢忘根?诚实垂地欲报恩。秋风乱序牵肝胆,血尽脉枯器子孙。”“六月济南气若蒸,子时犹听唱蝉声,十年洞地平生力,出土攀高为一鸣。”这一首是讲述半夜时听蝉鸣所想。

 

  陈全胜:诗与中国绘画的结合,是和古代文人的自身修养与中国文化的传承密不可分的。我们当代的艺术家虽然有迥然不同的成长轨迹、表现技法、创作心态,但是笔墨、结构、境界依然是我们执着追求的方向。尽管有些人放弃了一些传统形式,结合了西方的一些当代元素,这也是时代发展的必然,当然,诗书画印做为传统修养,也是我们中国画的重要特点,只要我们坚持在中国画的创作过程中崇敬和传承传统文化,就必然会在诗书画印的全面修养上下苦功夫。记得屠格涅夫讲过“人的才能是由形形色色的情感组成的”,正是各种小情感组成大的才能。

 

  我们每一次创作都有一些清新的感觉,新的思路,画家应该要对自己不断对比、分析、调整,甚至给自己出一些难题,再不断破解难题,从中才能不断提升。

 

  杨枫:笔墨是从传统学习中得来的,所以必须认真学习传统,把学到的东西拿到大自然中去对照结合。艺术来源于生活,但是必须是高于生活的,画面有了生活的情趣,那就显得丰富,带有了现代气息。有了传统作品的文气,笔墨也精到了,有了生活的趣味在里面,也就有传承时代的气息。要使画面有感染力,就必须用心经营,用情去打动观众,要有责任感,画自己感受最强烈,最深刻的东西。山水、花鸟、人物画如此,紫砂器的刻制同样如此。